«La unidad didáctica es la interrelación de todos los elementos que intervienen en el proceso de enseñanza-aprendizaje con una coherencia interna metodológica y por un periodo de tiempo determinado» (Ibáñez, 1992).
Se puede decir que se entiende por Unidad didáctica toda unidad de trabajo de duración variable, que organiza un conjunto de actividades de enseñanza y aprendizaje y que responde, en su máximo nivel de concreción, a todos los elementos del currículo: qué, cómo y cuándo enseñar y evaluar. Por ello la Unidad didáctica supone una unidad de trabajo articulado y completa en la que se deben precisar los objetivos y contenidos, las actividades de enseñanza y aprendizaje y evaluación, los recursos materiales y la organización del espacio y el tiempo, así como todas aquellas decisiones encaminadas a ofrecer una más adecuada atención a la diversidad del alumnado.
Realizamos un ejercicio práctico de estructurar una Unidad Didáctica siguiendo las siguientes directrices.-
TEMATICA.- Qué es y cómo hacer una unidad didáctica.
TEMPORALIZACION.- 90 minutos
DESTINATARIOS.- Alumn@s MAES.
INTRODUCCION
1. Contexto: 56 alumn@s del Master en profesorado de secundaria y bachillerato de la especialidad de Dibujo, pertenecientes a diferentes licenciaturas y diplomaturas (Bellas Artes, arquitectura y arquitectura técnica).
2. Fundamentación: La producción de una Unidad Didáctica es una práctica fundamental en el ejercicio de la docencia, por ello es necesario su conocimiento y aprendizaje de su realización.
OBJETIVOS
1. Generales y Especificos
Conocer la estructura de una Unidad Didactica, comprender todos sus apartados y saber realizar una Unidad Didactica.
Fomentar la cooperación e igualdad entre los individuos a los que se dirige la Unidad Didactica.
CONTENIDOS
1. Conceptuales:
Concepto de U.Didáctica y su estructuración
Definición de los componentes de la U. Didáctica.
2. Procedimentales:
Realización de una Unidad Didáctica.
3. Actitudinales:
Cooperación entre los alumn@s
METODOLOGIAS
El profesor :
-Planteamiento y presentación de los conceptos básicos sobre la Unidad Didáctica.
-Abrir una linea discusión y debate sobre los conceptos.
-Exposición del tema de la U. Didáctica en sus aspectos concretos.
-Descripción de la actividad practica a realizar por lo alumn@s.
-Coordinar la actividad.
-Después de la exposición por parte de los alumnos de la actividad practica, abrir un debate sobre los aspectos mas relevantes que apunten los alumn@s.
Los alumn@s:
-Realización individual de un borrador de Unidad Didáctica.
-Puesta en común por pequeños grupos con objeto de crear una cooperación entre alumn@s y desarrollen su U. Didáctica complementando ideas de los demás.
-Participación activa en el debate abierto por el profesor.
Temporalización:
10 Minutos .Planteamiento y presentación del tema
15 Minutos. Primer debate sobre la presentación.
15/20 Minutos. Exposición del tema y explicación de la actividad Practica.
20/25 Minutos. Actividad practica individual y grupal.
20 Minutos. Exposición de la actividad, debate y conclusiones.
Materiales: Ordenador y Proyector
Recursos: Internet, Bibliografía sobre el tema.
EVALUACION
El profesor hará un seguimiento a los alumn@s sobre su participación y pedirá el trabajo escrito del desarrollo de la actividad práctica.
Trabajo realizado conjuntamente con Paco Ariza.
lunes, 15 de febrero de 2010
RESUMEN DEL TEXTO; HISTORIA DE LA EDUCACION ARTISTICA. Ricardo Marín y otros,2003. Didáctica de la Educación Artística.
Los cambios sociales, en la educación y en el mundo del arte en particular durante la historia, han transformado notablemente las ideas, métodos y ejercicios de la educación artística. De forma resumida analizamos estos cambios.-
En la antigüedad:
Las primeras reflexiones sobre la educación artística, como sucede en otras tantas disciplinas, vienen dadas por los grandes filósofos griegos Aristóteles y Platón que consideran útil la enseñanza del dibujo para la vida.
Edad Media:
El aprendizaje se realizaba en talleres. La orientación de los aprendices era básicamente profesional dentro del campo de la artesanía, pintura, dibujo, escultura, etc. Había una búsqueda de la perfección y ausencia de originalidad en la mayoría de los trabajos.
Renacimiento y Romanticismo:
Se crean academias de Dibujo, La mas representativa fue la del tratadista Vasari. La orientación de la enseñanza del dibujo era también fundamentalmente profesional. Se copia el cuerpo humano, se copian las obras de otros artistas, se aprende geometría a través de copias e laminas y se imparten ciertos conocimientos teóricos. La enseñanza es básicamente clasica y academicista, buscando la proporción y la belleza.
Primera Mitad del siglo XIX:
Durante este periodo la materia de dibujo es incluida en el currículo, tanto en primaria como secundaria, como obligatoria. Esto acarrea una nueva dificultad y problemática, hay que adaptar la enseñanza del dibujo a todos los individuas de la sociedad, cuando antes, la enseñanza del dibujo estaba solo destinada a los artistas y artesanos.
El contexto histórico de la época influye de manera importante en la enseñanza del dibujo, quizás el acontecimiento mas influyente será la revolución industrial. El dibujo se enfoca hacia la fabricación industrial y aparece la división entre dibujo técnico que tratara de representar la realidad mas exacta y precisa para su uso en la producción industrial y el dibujo artístico, que tratara de buscar la belleza como fin, ambos siempre dentro de unos cánones meramente figurativos.
J.H.Patalozzi(1746-1872) es el autor que en esta época publica el considerado primer manual de educación artística enfocado a la infancia.
El Suizo Friedrich Froebel (1782-1852) contribuyó a la educación artística con su original material didáctico "regalos y ocupaciones", desarrollados para jardines de infancia.
Segunda mitad siglo XIX:
En este periodo se producirá un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo. Todos basados en la copia de láminas, comenzando por figuras geométricas simples y avanzando gradualmente en dificultad hasta llegar a las figuras reales, motivos ornamentales y aplicaciones industriales.
Primera Mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil:
Nueva comprensión de esta situación, pasó de ser dibujos con errores a manifestación artística genuina y propia de ver el mundo. Se cambian en las teoría educativas gracias a la investigación psicológica y los movimiento de vanguardia como el impresionismo, cubismo y la abstracción, se creía que las ideas antiguas estaban agotadas, vuelta a los orígenes, se considera el arte infantil como protoarte puro y primigenio. Cizec lo consideró como estilo artístico verdadero y a tener en cuenta, pero su propuesta fue rechazada para más adelante obtener permiso. Se investiga el arte infantil en la investigación psico-educativa y la necesidad de estimular esta actitud.
Segunda mitad del siglo XX.-Desde la autoexpresion creativa a la educación artística como disciplina.
Herbert Read y Victor Lowenfeld en los años centrales del siglo XX publicaron las obras que han marcado el carácter de la educación artística. Con ellos se desarrollo y centró la tendencia denominada "autoexpresión creativa".
Esta disciplina considera que lo decisivo en la educación artística no son los contenidos sino la persona a la cual se esta formando. Se trataba que a través del arte se aprendiera a ser persona y no simplemente que la persona aprendiera a hacer arte. La actividad principal en la educación artística seria el dibujo libre y espontáneo. Se evitaban modelos y laminas iguales a seguir por todos, buscando que cada individuo desarrollase su personalidad y capacidad propia.
En la década de los cincuenta dos acontecimientos institucionales tuvieron gran trascendencia en la educación artística.
La fundación de la Sociedad Internacional de educación a través del Arte (INSEA), que es la asociación internacional mas importante de Educación Artística.
En 1955 la UNESCO y La Oficina Internacional de Educación aprobó las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en escuelas primarias y secundarias.
En estas recomendaciones se refleja la obligatoriedad de las enseñanzas artísticas en el currículo de la escuela primaria y la libre expresión como método mas adecuado de enseñanza. Se reflexiona también sobre los nuevos medios audiovisuales de comunicación de masas, determinando así en gran medida el rumbo de las nuevas ideas en la educación artística a finales de los años sesenta.
El lenguaje visual como modo de conocimiento.-
La diferentes disciplinas, entre ellas la estética y la historia del arte, contribuyeron a afirmar que las artes visuales constituyen un lenguaje. Rudolf Arnheim afirmo que "ver es pensar" y por tanto que las obras visuales son un modo de conocimiento. Arnheim constata que la percepción visual no es un proceso exclusivamente sensorial, sino, cognitivo activo y complejo.
La consideración de las artes visuales como un lenguaje vino también propiciada por el desarrollo de lo medios de comunicación visual, especialmente la televisión y el desarrollo de la ciencia de los signos que cubría no solo los fenómenos lingüísticos, sino también los visuales.
El lenguaje visual se hizo comparable y casi paralelo al lenguaje verbal.
Eliott Eisner: La revisión disciplinar de la autoexpresión creativa. Actividad artística como proceso creativo espontáneo y natural, elaborada construcción de conocimientos distintivos de cada cultura, destaca Eliott Eisner en la década de los 70 para promover proyectos educativos artísticos en los diferentes aspectos curriculares, dando origen a la DBAE. Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE) Se trata de un proyecto educativo para la educación artística en principio para la escuela primaria, posee una sólida fundamentación interdisciplinar, ideas actuales sobre educación, psicología del desarrollo, movimientos artísticos de vanguardia, colaboración con especialistas en educación artística y calidad de publicaciones y materiales didácticos. Su objetivo es desarrollar habilidades y conocimientos para aprender y apreciar el arte, conocimiento de teorías, conceptos artísticos y expresión creadora. La asignatura de educación artística dispone de un elaborado sistema curricular Estética, crítica, historia del arte y modalidades artísticas son las cuatro disciplinas principales. Las obras de arte ocupan un lugar central en la organización del currículo y en los conceptos específicos de las cuatro disciplinas, se debe estudiar todo tipo de artes de todas las épocas. El nivel de conocimiento sube de complejidad de modo progresivo impartido de forma regular y sistemático con un horario semanal independiente coordinado en el conjunto del distrito escolar. A parte de criterios y procedimientos de evaluación, se debe mostrar los resultados del aprendizaje. La creatividad no es una capacidad innata, hay que dejar que se desarrolle y se manifieste alejada de las normas sociales, es una capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un conocimiento de las convecciones artísticas. La clave reside en el conocimiento en profundidad de las obras de arte, los logros sirven de apoyo y estímulo. Todo esto provoca 2 asuntos en su contra: Énfasis en la obra de arte como contenido nuclear del artículo, desatendiendo a otros tipos de imágenes más cotidianas. Rígida dependencia de los ámbitos profesionales establecidos por el mundo académico, desestimando las aportaciones de las nuevas disciplinar emergentes, las instituciones no son suficientemente ágiles para incorporar los temas emergentes novedosos y controvertidos: ecología, feminismo, multiculturalismo.
En la antigüedad:
Las primeras reflexiones sobre la educación artística, como sucede en otras tantas disciplinas, vienen dadas por los grandes filósofos griegos Aristóteles y Platón que consideran útil la enseñanza del dibujo para la vida.
Edad Media:
El aprendizaje se realizaba en talleres. La orientación de los aprendices era básicamente profesional dentro del campo de la artesanía, pintura, dibujo, escultura, etc. Había una búsqueda de la perfección y ausencia de originalidad en la mayoría de los trabajos.
Renacimiento y Romanticismo:
Se crean academias de Dibujo, La mas representativa fue la del tratadista Vasari. La orientación de la enseñanza del dibujo era también fundamentalmente profesional. Se copia el cuerpo humano, se copian las obras de otros artistas, se aprende geometría a través de copias e laminas y se imparten ciertos conocimientos teóricos. La enseñanza es básicamente clasica y academicista, buscando la proporción y la belleza.
Primera Mitad del siglo XIX:
Durante este periodo la materia de dibujo es incluida en el currículo, tanto en primaria como secundaria, como obligatoria. Esto acarrea una nueva dificultad y problemática, hay que adaptar la enseñanza del dibujo a todos los individuas de la sociedad, cuando antes, la enseñanza del dibujo estaba solo destinada a los artistas y artesanos.
El contexto histórico de la época influye de manera importante en la enseñanza del dibujo, quizás el acontecimiento mas influyente será la revolución industrial. El dibujo se enfoca hacia la fabricación industrial y aparece la división entre dibujo técnico que tratara de representar la realidad mas exacta y precisa para su uso en la producción industrial y el dibujo artístico, que tratara de buscar la belleza como fin, ambos siempre dentro de unos cánones meramente figurativos.
J.H.Patalozzi(1746-1872) es el autor que en esta época publica el considerado primer manual de educación artística enfocado a la infancia.
El Suizo Friedrich Froebel (1782-1852) contribuyó a la educación artística con su original material didáctico "regalos y ocupaciones", desarrollados para jardines de infancia.
Segunda mitad siglo XIX:
En este periodo se producirá un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo. Todos basados en la copia de láminas, comenzando por figuras geométricas simples y avanzando gradualmente en dificultad hasta llegar a las figuras reales, motivos ornamentales y aplicaciones industriales.
Primera Mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil:
Nueva comprensión de esta situación, pasó de ser dibujos con errores a manifestación artística genuina y propia de ver el mundo. Se cambian en las teoría educativas gracias a la investigación psicológica y los movimiento de vanguardia como el impresionismo, cubismo y la abstracción, se creía que las ideas antiguas estaban agotadas, vuelta a los orígenes, se considera el arte infantil como protoarte puro y primigenio. Cizec lo consideró como estilo artístico verdadero y a tener en cuenta, pero su propuesta fue rechazada para más adelante obtener permiso. Se investiga el arte infantil en la investigación psico-educativa y la necesidad de estimular esta actitud.
Segunda mitad del siglo XX.-Desde la autoexpresion creativa a la educación artística como disciplina.
Herbert Read y Victor Lowenfeld en los años centrales del siglo XX publicaron las obras que han marcado el carácter de la educación artística. Con ellos se desarrollo y centró la tendencia denominada "autoexpresión creativa".
Esta disciplina considera que lo decisivo en la educación artística no son los contenidos sino la persona a la cual se esta formando. Se trataba que a través del arte se aprendiera a ser persona y no simplemente que la persona aprendiera a hacer arte. La actividad principal en la educación artística seria el dibujo libre y espontáneo. Se evitaban modelos y laminas iguales a seguir por todos, buscando que cada individuo desarrollase su personalidad y capacidad propia.
En la década de los cincuenta dos acontecimientos institucionales tuvieron gran trascendencia en la educación artística.
La fundación de la Sociedad Internacional de educación a través del Arte (INSEA), que es la asociación internacional mas importante de Educación Artística.
En 1955 la UNESCO y La Oficina Internacional de Educación aprobó las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en escuelas primarias y secundarias.
En estas recomendaciones se refleja la obligatoriedad de las enseñanzas artísticas en el currículo de la escuela primaria y la libre expresión como método mas adecuado de enseñanza. Se reflexiona también sobre los nuevos medios audiovisuales de comunicación de masas, determinando así en gran medida el rumbo de las nuevas ideas en la educación artística a finales de los años sesenta.
El lenguaje visual como modo de conocimiento.-
La diferentes disciplinas, entre ellas la estética y la historia del arte, contribuyeron a afirmar que las artes visuales constituyen un lenguaje. Rudolf Arnheim afirmo que "ver es pensar" y por tanto que las obras visuales son un modo de conocimiento. Arnheim constata que la percepción visual no es un proceso exclusivamente sensorial, sino, cognitivo activo y complejo.
La consideración de las artes visuales como un lenguaje vino también propiciada por el desarrollo de lo medios de comunicación visual, especialmente la televisión y el desarrollo de la ciencia de los signos que cubría no solo los fenómenos lingüísticos, sino también los visuales.
El lenguaje visual se hizo comparable y casi paralelo al lenguaje verbal.
Eliott Eisner: La revisión disciplinar de la autoexpresión creativa. Actividad artística como proceso creativo espontáneo y natural, elaborada construcción de conocimientos distintivos de cada cultura, destaca Eliott Eisner en la década de los 70 para promover proyectos educativos artísticos en los diferentes aspectos curriculares, dando origen a la DBAE. Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE) Se trata de un proyecto educativo para la educación artística en principio para la escuela primaria, posee una sólida fundamentación interdisciplinar, ideas actuales sobre educación, psicología del desarrollo, movimientos artísticos de vanguardia, colaboración con especialistas en educación artística y calidad de publicaciones y materiales didácticos. Su objetivo es desarrollar habilidades y conocimientos para aprender y apreciar el arte, conocimiento de teorías, conceptos artísticos y expresión creadora. La asignatura de educación artística dispone de un elaborado sistema curricular Estética, crítica, historia del arte y modalidades artísticas son las cuatro disciplinas principales. Las obras de arte ocupan un lugar central en la organización del currículo y en los conceptos específicos de las cuatro disciplinas, se debe estudiar todo tipo de artes de todas las épocas. El nivel de conocimiento sube de complejidad de modo progresivo impartido de forma regular y sistemático con un horario semanal independiente coordinado en el conjunto del distrito escolar. A parte de criterios y procedimientos de evaluación, se debe mostrar los resultados del aprendizaje. La creatividad no es una capacidad innata, hay que dejar que se desarrolle y se manifieste alejada de las normas sociales, es una capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un conocimiento de las convecciones artísticas. La clave reside en el conocimiento en profundidad de las obras de arte, los logros sirven de apoyo y estímulo. Todo esto provoca 2 asuntos en su contra: Énfasis en la obra de arte como contenido nuclear del artículo, desatendiendo a otros tipos de imágenes más cotidianas. Rígida dependencia de los ámbitos profesionales establecidos por el mundo académico, desestimando las aportaciones de las nuevas disciplinar emergentes, las instituciones no son suficientemente ágiles para incorporar los temas emergentes novedosos y controvertidos: ecología, feminismo, multiculturalismo.
viernes, 5 de febrero de 2010
ARTE,ARTISTA,MANIFESTACION ESTETICA
Ante las manifestaciones estéticas la persona percibe belleza, dependiendo de la subjetividad de cada individuo,su estado de ánimo, capacidades y otros factores, unido al grado de conocimiento del significado y simbolismo que encierra la manifestación estética, el sujeto la encontrara mas o menos bella.
Creo que no se pueden aplicar reglas fijas y objetivas para determinar las medidas de lo bello y estético, pero si pienso que hay algo común en las manifestaciones estéticas que la generalidad de las personas perciben como bello.
La propia naturaleza esta llena de manifestaciones estéticas, posiblemente bellas y en muchos casos, bellisimas, que despiertan en el sujeto que las percibe sentimientos múltiples de todo tipo, pero no se pueden interpretar como Arte, puesto que una manifestación artística es "producto" del ser humano.
El artista es receptor de imagenes, percibe la realidad y tiene ideas a través de su imaginación y echando mano de su creatividad, usando las técnica precisas, interpreta, transforma, conceptualiza y desarrolla su idea con el fin de expresar emociones o simplemente comunicar, creando así una obra de arte.
Yo soy de los que piensa que deben haber limites éticos en la creación artística, para mi, no todo vale, la obra de arte debe sorprender y despertar sentimientos en quien la percibe pero creo que no se pueden superar los limites éticos naturales del ser humano.Yo considero esencial que el propio autor debe ponerse esos limites y no esperar que se le sean impuestos.
Respecto al conocimiento y manejo de la técnica para la realización de una obra de arte, creo indispensable que el artista debe conocer y manejarlas en la medida que su obra se lo exija, no pienso que deba manejar y conocer con precisión y de manera académica la técnica, pero sí tener una base mínima de conocimientos y habilidades que pueden ser adquiridos con el estudio y la práctica. La habilidad o la facilidad para el manejo de la técnica puede que en algún caso sea natural en una persona pero necesita el conocimiento de la técnica y la practica para un buen desarrollo, junto a la creatividad que le hará dar soluciones originales al desarrollo de sus ideas.
El artista se forma como tal y se desarrolla en un contexto social y cultural que influirá en sus creaciones, dependiendo de este contexto, su obra será mas o menos entendida, apreciada y valorada,pero opino que una obra de arte posee una esencia que le hace tener un carácter universal, en menor o mayor medida,en todas las culturas y sociedades.
Para concluir,el arte es una manifestación humana, y como producto del hombre es imperfecta y sometida a la valoración individual y subjetiva,esta debe ser analizada dentro de un contexto temporal,social y cultural.
Creo que no se pueden aplicar reglas fijas y objetivas para determinar las medidas de lo bello y estético, pero si pienso que hay algo común en las manifestaciones estéticas que la generalidad de las personas perciben como bello.
La propia naturaleza esta llena de manifestaciones estéticas, posiblemente bellas y en muchos casos, bellisimas, que despiertan en el sujeto que las percibe sentimientos múltiples de todo tipo, pero no se pueden interpretar como Arte, puesto que una manifestación artística es "producto" del ser humano.
El artista es receptor de imagenes, percibe la realidad y tiene ideas a través de su imaginación y echando mano de su creatividad, usando las técnica precisas, interpreta, transforma, conceptualiza y desarrolla su idea con el fin de expresar emociones o simplemente comunicar, creando así una obra de arte.
Yo soy de los que piensa que deben haber limites éticos en la creación artística, para mi, no todo vale, la obra de arte debe sorprender y despertar sentimientos en quien la percibe pero creo que no se pueden superar los limites éticos naturales del ser humano.Yo considero esencial que el propio autor debe ponerse esos limites y no esperar que se le sean impuestos.
Respecto al conocimiento y manejo de la técnica para la realización de una obra de arte, creo indispensable que el artista debe conocer y manejarlas en la medida que su obra se lo exija, no pienso que deba manejar y conocer con precisión y de manera académica la técnica, pero sí tener una base mínima de conocimientos y habilidades que pueden ser adquiridos con el estudio y la práctica. La habilidad o la facilidad para el manejo de la técnica puede que en algún caso sea natural en una persona pero necesita el conocimiento de la técnica y la practica para un buen desarrollo, junto a la creatividad que le hará dar soluciones originales al desarrollo de sus ideas.
El artista se forma como tal y se desarrolla en un contexto social y cultural que influirá en sus creaciones, dependiendo de este contexto, su obra será mas o menos entendida, apreciada y valorada,pero opino que una obra de arte posee una esencia que le hace tener un carácter universal, en menor o mayor medida,en todas las culturas y sociedades.
Para concluir,el arte es una manifestación humana, y como producto del hombre es imperfecta y sometida a la valoración individual y subjetiva,esta debe ser analizada dentro de un contexto temporal,social y cultural.
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