UNIDAD DIDACTICA. LA EXPRESIVIDAD DEL COLOR

El efecto sensorial de los colores es de corta duracion y escasa importancia.Lo que cuenta es la resonancia espiritual y la acción directa del color sobre el alma. W.Kandinsky.
INTRODUCCION.-
Contexto.-
El I.E.S. "Profesor Rodríguez Casado" se encuentra situado en el Campus de la Escuela Politécnica Superior de la Universidad de Huelva, en los Lugares Colombinos junto al Estero Domingo Rubio.
El Estero Domingo Rubio es un bello paisaje marismeño, próximo al Monasterio de la Rábida enmarcado dentro de un antiguo molde micénico de limos y gravas. La marisma mareal posee un drenaje directo, en un terreno muy reducido, de arroyo que canalizan las aguas de las zonas arenosas y areniscas circundantes, lo que determina una interesante mezcla de medio ambiente dulce y salado.
Debido a su situación, este Centro ha tenido desde sus comienzos una estrecha relación con las Industrias del Polo Químico Industrial de Huelva, lo que ha permitido establecer los cauces necesarios para que nuestros alumnos y alumnas pudieran realizar experiencias prácticas en las empresas, así como disfrutar de las importantes ayudas económicas recibidas de dichas industrias, todo ello ha supuesto un importantísimo complemento a las dotaciones de material para los talleres y laboratorios del centro recibidas de la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía.
Las instalaciones del centro son modernas, se dispone de aula de informática donde caben a un equipo por cada dos alumnos. Las aulas están dotadas de cañón de proyección para ordenador, pantalla y las mesas son individuales y movibles. Las aulas tienen capacidad para 35 alumnos, son amplias y luminosas, actualmente cada clase, una por curso, la componen 25, 30 alumnos, en el caso del 4º curso de ESO a la que va dirigida esta Unidad Didáctica, se compone de 26.
La media del nivel socio-cultural del alumnado es clase media trabajadora, en su mayoría en Industrias del Polo Químico y negocios vinculados a los servicios turísticos.
Fundamentación y Justificación de la Unidad Didáctica.
El color añade información, nos acerca más a la verdadera naturaleza de los objetos y además tiene también una dimensión estética. Y más allá de esta experiencia sensorial, el color posee valores simbólicos, significados admitidos que amplían y modifican el significado de una imagen.
El estudio del color y la luz en la ESO es tanto instrumental como expresivo y es capaz de hacer conseguir al alumno gratas experiencias artísticas. Con esta importancia analítica y expresiva se justifica el numero de horas dedicadas a esta unidad y que el trabajo sobre la misma se desarrolle durante los tres cursos de la ESO: 1º,2º y 4º. En el primer curso se iniciara su conocimiento práctico y su importancia perceptiva. En el segundo curso se introducirá apuntes sobre la física del color. Finalmente en cuarto curso se incidirá en sus aspectos psicológicos y en el uso artístico histórico, así se estudia el color en las técnicas y el arte moderno y su papel en la expresión personal a través de pintores andaluces.
Es tal la importancia que tiene para el adolescente, el color, que su ausencia es entendida como un acto de intención significativa. Los jóvenes identifican las imágenes con graduación tonal en blanco y negro con el pasado.
Como fundamentacion legal, se basa en el RD 1631/07 y la orden de 10 de agosto de 2007, por la que se desarrolla el currículo correspondiente a la Educación Secundaria Obligatoria en Andalucía.

OBJETIVOS.-
Generales.-
1- Conocer y valorar el color como elemento esencial de la comunicación y expresión visual.
Específicos.-
Dimensión Apreciativa-.
1- Conocer la formación de los colores y manipular su mezcla, partiendo de los colores primarios; obteniendo colores compuestos, secundarios y terciarios.
2- Saber ordenar los colores en el espacio, con el fin de controlar, con destreza, las tres cualidades del color, tono, luminosidad o valor y saturación o intensidad.
3- Apreciar la importancia de las gamas de colores, tanto de las tonales, como las de valor, reconociendo los distintos valores expresivos y emocionales que conllevan.
Dimensión productiva.-
4- Aprender a emplear el color de forma creativa mediante diferentes técnicas.
Ideas transversales.-
5- Saber ordenar y analizar obras artísticas andaluzas y sus diversas combinaciones armónicas que pueden utilizarse como recurso grafico y expresivo.
6- Fomentar la capacidad de trabajar en grupo.

COMPETENCIAS.-
1- Competencia cultura y artística. El énfasis lo ponemos en ampliar el conocimiento de los diferentes códigos artísticos relacionados con el color y en la utilización de las técnicas y los recursos que le son propios.
2- Competencia social y ciudadana. Las actividades propuestas en esta UD de trabajo en equipo, promueven actitudes de respeto, tolerancia, cooperación, flexibilidad y contribuirá a la adquisición de habilidades sociales. Por otra parte, proporciona diversidad de respuestas ante un mismo estimulo y la aceptación de las diferencias.
3- Tratamiento de la información y competencia digital. El uso de los recursos tecnológicos específicos supone una herramienta potente para la producción de creaciones visuales basadas en el color y además colabora en la mejora de la competencia digital.
4- Competencia en la comunicación lingüística. Toda forma de comunicación posee unos procedimientos comunes y, como tal, esta UD. Permite hacer uso de unos recursos específicos a través del color para expresar ideas, sentimientos y emociones ya que permite integrar el lenguaje plástico y visual con otros lenguajes y con ello enriquecer la comunicación.
5- Autonomía e iniciativa personal. Todo proceso de creación supone convertir una idea en producto y por ello desarrollar estrategias de planificación, de previsión de recursos, de anticipación y evaluación de resultados. Todo este proceso, junto con el espíritu creativo, la experimentación, la investigación, y la autocrítica fomentan la iniciativa y autonomía personal.
6- Competencia en el conocimiento e interacción con el mundo físico. Para el estudio del color utilizaremos procedimientos relacionados con el método científico, como la observación, la experimentación, el descubrimiento, la reflexión y el análisis posterior.

CONTENIDOS.-
Conceptuales.-
1- Combinaciones cromáticas.
2- Movimiento y ordenación del color en el espacio.
3- Cualidades básicas del color; tono, luminosidad y saturación.
4- Análisis de los valores artísticos y estéticos en la imagen y en la obra de arte. Estudio y análisis aplicado a pintores andaluces.
5- Características de las gamas de color.
6- Uso creativo del color.
7- Armonía y contrastes.
8- El color y la luz.
9- Elementos en la expresividad del color y sus relaciones, ejemplo con la música.
Procedimentales.-
1- Experimentar y manipular la variación de colores complementarios.
2- Reinterpretar obras pictóricas cambiando gamas de color.
3- Observar y analizar un cuadro identificando la gama cromática que predomina.
4- Utilizar diferentes técnicas para diseñar obras.
Actitudinales.-
1- Apreciar el valor que tiene el color en la comunicación visual.
2- Receptividad y sensibilización del color entre la naturaleza y ambientes urbanos.
3- Crear un gusto personal ante las formas y colores, respetando también el de los demás.

METODOLOGIA.-
Para comprobar los conocimientos previos de los alumnos, se realizará un cuestionario. También el alumno tendrá que realizar un dibujo relacionado con cualquier tema propuesto en clase, para así demostrar la capacidad que posee para expresarse. Se tendrán en cuenta las ideas y los conocimientos previos del alumnado y su nivel evolutivo. Estará vinculada al medio en que nos movemos además de se interdisciplinar e investigadora.
Buscamos que la metodología sea abierta y flexible para propiciar el aprendizaje significativo como método de enseñanza. Se intentará poner de forma práctica los contenidos específicos de la unidad.
La metodología que se llevará a cabo, por orden de grado de aplicación, por método expositivo, investigativo y discusivo. Los contenidos serán expuestos por representaciones en PowertPoint, se realizaran actividades manuales, individuales y en equipo, búsquedas por Internet y debates con puestas en común de contenidos expuestos.

ACTIVIDADES.-
1-Representación de colores.- Elegir una sola opción. (Individual)
Opción A- Realizar un círculo cromático donde se pueda apreciar y diferenciar los matices del color, mediante la utilización de mezclas sustractivas y explicar los efectos conseguidos.
Opción B- Realizar una cuadrícula de seis colores análogos oscureciendo (mezclando el color con su complementario) dos tonos hacia la izquierda y aclarando tres tonos hacia la derecha pasando del color saturado al blanco, mediante la mezcla y la manipulación del color variando el tono. Explicar los efectos obtenidos.
2- Crea tu propia composición.- Elegir una sola opción. (Individual o grupal)
Opción A- Crea una composición de color monocromática aplicando una gama de valor.
Opción B- Crea una composición de color con parejas de colores complementarios, en la cual se aprecie las cualidades del color (tono, luminosidad y saturación).
3- Análisis de Obras.- (Individual).
Realizar búsqueda por Internet de diferentes obras de pintores andaluces.
- Elegir dos y analizarlas según el contenido del tema.
- Deducir y explicar cual su gama de color dominante.
- Realizar un comentario personal de dichas obras.
4- Trabajar un texto.- de Kandinsky de forma oral y escrita. Análisis y opinión personal. (Individual)
5- Reinterpretar obras.-. Realizar una búsqueda libre (Internet, libros, revistas…) de una obra conocida (Picasso, Miró, Kandinsky) y reinterpretarla mediante diferentes técnicas;
- Uso de colores planos.
- Golpe de color.
6- Resolución de una fotografía.- (individual) Se hará en blanco y negro por colores planos.
7- Resolución de mezcla de color.- (individual) Dibuja tres circunferencias de 5 cm de diámetro que se solapen unas con otras. Píntalas con los colores primarios. En sus intersecciones obtendrás colores secundarios. Señala qué colores son los complementarios de cada primario.
8- Fotografía de una fotografía-(individual) Haz una fotocopia ampliada en blanco y negro de una fotografía tuya y colorea la parte oscura con un color y las más claras con su complementario.
9- Color musical- (individual) Trabajan conjuntamente el departamento de Dibujo y Música. Se intentará demostrar que los diferentes ritmos de las canciones pueden influir en tu ánimo y sentimientos, probando al escuchar diferentes tipos de música que usen el color que les inspire, analizando que simplemente la percepción de un color puede producir un sentimiento.
10- Mural pictórico-(Grupal) Partiendo de una fotografía (paisaje, monumento…) dibujar en un mural a grandes dimensiones. Recortar el mural en tantas partes como alumnos participen y repartir entre ellas. Cada alumno debe emplear una técnica libre, elaborando individualmente su trozo de mural. Por último, unir todas las partes, consiguiendo un nuevo mural original y creativo.
11- Visita a museo- (Grupal) Se programara un viaje a Sevilla conjuntamente con el departamento de historia del arte para visitar el museo de Bellas Artes de Sevilla. Se enfocará como una actividad extraescolar.


TEMPORALIZACION.-
Contamos con tres semanas a dos horas por semana, En la Sesión 6 coordinaremos con el departamento de música para aumentar el tiempo de duración de la actividad en dos horas. Siete horas totales.
La distribución temporal de la unidad se completa con ocho sesiones:
SESIÓN 1
60 minutos
Después de evaluar los conocimientos previos de los alumn@s.
Explicamos los contenidos haciendo uso de presentaciones en PowertPoint. Los conceptos sobre magnitudes, contrastes, armonías, etc. se exponen sobre proyecciones. Con esta metodología es más cómodo el aprendizaje de la terminología apropiada, porque se comprenden mejor los conceptos sobre los que se aplica.
Últimos 10 minutos de coloquio para formulación de dudas.
Usaremos cañón para proyección en el aula.
SESIÓN 2
60 minutos
Continuaremos las explicaciones de los contenidos con proyecciones y experiencias de laboratorio: juegos con luz, polarizaciones, mezclas y filtros o reproducir la experiencia de Newton de descomponer la luz blanca mediante un prisma resulta muy didáctica para demostrar al alumnado la composición de la luz. La utilización de medios visuales es indispensable, pues el color es un hecho visual y así se aprecia.
Últimos 10 minutos de coloquio para formulación de dudas.
Usaremos cañón para proyección en el aula.
SESIÖN 3
60 minutos
Realización de actividades prácticas 1,2 y 8
Representación de colores. 20 minutos.
Crea tu propia composición. 20 minutos.
Fotografía de una fotografía. 20 minutos.
Utilizaremos en el aula, pinturas, lápices, tizas, papel y fotocopias.
SESIÓN 4
60 minutos
Realización de actividades prácticas 4,6 y 7
Trabajar un texto. 15 minutos.
Resolución de una fotografía.20 minutos.
Resolución de mezcla de color.25 minutos.
Utilizaremos en el aula, pinturas, lápices, tizas, papel, fotocopias y textos propuestos por el profesor.
SESIÓN 5
60 minutos
Los alumnos trabajaran con los ordenadores del aula de informática. Actividades 3 y 5
Análisis de obras. 25 minutos.
Reinterpretar obras. 25 minutos.
Utilizaremos en el aula, pinturas, lápices, tizas y papel.
Últimos 10 minutos para exponer ideas y desarrollar un debate.
SESIÓN 6
120 minutos
Realización de las actividades 9 y 10.
Color musical, 30 minutos.
Mural pictórico, 90 minutos.
Utilizaremos en el aula, pinturas, lápices, tizas y papel. Para la realización de mural elegiremos un lugar en el patio del centro.
La actividad 9 la realizamos en clase, el equipo de música nos lo proporciona el departamento de música con quien coordinamos los contenidos de la actividad.

Para la actividad 11 necesitamos coordinar con el departamento de Historia del arte e involucrar al AMPA para la organización del viaje, bajando la posibilidad de la asistencia de padres e alumn@s que realicen con sus hijos actividades conjuntas.

EVALUACION.--
La Calificación se basará en.-
Asimilación de conceptos, trabajo diario en clase y actitudes del alumn@.
Se concretará en como el alumn@.-
- Valora el color como elemento esencial de la comunicación y expresión visual.
- Conoce la formación de los colores y manipula su mezcla, partiendo de los colores primarios, obteniendo colores compuestos; secundarios y terciarios.
- Sabe ordenar los colores en el espacio, con el fin de controlar, con destreza, las tres
cualidades del color; tono, luminosidad o valor y saturación o intensidad.
- Aprecia la importancia de las gamas de colores, tanto de las tonales, como de las de valor, reconociendo los distintos valores expresivos y emocionales que conllevan.
- Aprende a emplear el color de forma creativa mediante diferentes técnicas.
- Sabe ordenar y analizar las obras artísticas y sus diversas combinaciones armónicas que pueden utilizarse como recurso gráfico y expresivo.

El profesor realizará un exploración inicial que le aportara datos sobre las aptitudes y el interés del alumn@. El desarrollo de las actividades prácticas y el comportamiento de los alumn@s. La exposición oral de los trabajos. Las actividades prácticas y de desarrollo entregadas por los alumn@s individualmente o en grupo y para finalizar se realizará una prueba de todo el contenido de la unidad para comprobar los conceptos que el alumno ha asimilado tras terminar la unidad.

Aplicación de la legislación de la ESO en Andalucia en el curriculo de Educacion Artística.

1.- Analiza el desarrollo del currículo correspondiente a la Educación Secundaría Obligatoria en Andalucía.• Impresión general.
Otro documento más en el que no se nos dice nada nuevo de lo que hemos escuchado en el Master. Parece bien que la Junta de Andalucía siga con la idea de dar autonomía a los centros para poder adaptar sus currículos a las necesidades de cada uno. Pero la realidad nos dice, que no existe la suficiente infraestructura, ni cantidad, ganas e implicación del profesorado para llevar a cabo esto de manera satisfactoria.
• Implicación de la Enseñanza Plástica Visual.
Al no darle la importancia necesaria en el documento de la Junta de Andalucía a la Educación Plástica y Visual, se nos antoja muy complicado la concreción de los contenidos básicos reflejados en el BOE del 5/01/2.007. No se dispone ni de horas suficientes, ni de una programación concreta.
Al tener los centros mucha autonomía para la realización de sus currículos, estos optan por no dar la importancia necesaria a la Educación Plástica.
De todas maneras, aunque la orden no diga nada acerca de la Educación Plástica, esta es lo suficientemente abierta (aprendizaje significativo, autonomía de centros, atención a la diversidad,…), como para que un centro con las suficientes ganas pueda aplicar o desarrollar una aceptable educación en las Artes Plásticas.

2.- ¿Cómo desarrollarías el currículo? Un punto general que englobe:
• Planteamiento:
A partir de un aprendizaje significativo y constructivo, intentar que el alumno alcance competencias tales como la creatividad, la autonomía, el aprendizaje y uso apropiado de las NNTT. El conocimiento de la naturaleza del entorno que le rodea, fomentar el método científico y la experimentación y por último un análisis y conocimiento del patrimonio cultural andaluz.
• Objetivos:
Centraría todos los objetivos en uno, que de modo muy resumido se basaría en el contribuir con la educación plástica y visual al desarrollo integral de la persona, teniendo en cuenta la individualidad del sujeto y su contexto, desarrollar sus capacidades de comunicación, expresión, percepción, comprensión, critica, responsabilidad, colaboración, para así contribuir a su sociabilidad y tolerancia.
• Contenidos:
Los contenidos deberían de ser continuamente revisados para ir acorde con la velocidad en la que se desarrolla la sociedad. El aprendizaje y uso a través de la experimentación, de las NNTT aplicadas al arte seria el contenido que sirve de eje.
Los conocimientos básicos estarían agrupados en.-
- Expresión plástica y visual, donde se usaría una metodología experimental. Donde se trabajará con las diferentes técnicas, procesos y materiales.
- Descripción de la expresión, donde a través de las experiencias personales propias por se asimilaran conceptos y contenidos “teóricos” del arte.
• Criterios de Evaluación:
Basándolo en la observación de cada alumno y el desarrollo de los objetivos marcados y teniendo siempre en cuenta su desarrollo critico ante las manifestaciones artísticas actuales, confirmar su asimilación de conceptos y adecuada utilización de técnicas y procesos.
Actividad realizada conjuntamente con Paco Ariza.

PEDAGOGIA CRITICA ARTISTICA, CARLOS ESCAÑO.

A mediados de los setenta un grupo de historiadores y filósofos como Bowles,Gintis o Apple, plantean el derribar la desigualdad social y la imposición ideológica que produce el currículo vigente en esa época y que lo provoca la transferencia de conocimiento profesor- alumnado. Estos planteamientos dan pie a la llamada Pedagogía Critica Artística, que pretende una preocupación y cambio social desde el arte.
Barbosa lo puntualiza como una reconstrucción social a través del arte. El arte tiene la capacidad, con su potencial social y cultural, dentro de la educación, de combatir la exclusión social, formando al individuo para luchar contra las injusticias de la sociedad, promoviendo la diversidad. Esto supone el abandono de las estructuras anteriores de la educación artística cimentadas en el esencialismo que separaba la educación artística de la construcción de la sociedad.
La pedagogía critica deconstruye la política y la cultura educando en la desconfianza, la crítica y desafiando a lo impuesto. (C. Escaño)
La P.C. se basa en diversidad cultural, la denuncia, la visión y la revisión, subversión, de los distintos discursos artísticos.
La pedagogía crítica se topa con dos grandes oposiciones para su planteamiento positivo.
Uno es el choque frontal con los fundamentos modernistas aun existentes en la educación artística, pedagogía para el arte y no por el arte, donde se aprenden conceptos y técnicas para la consecución de destreza y habilidad como objetivo principal y una segunda oposición digamos “conservadora” que tiene la visión del arte con un sentido mercantilista y enfocada a la formación profesional para su inserción en la red productiva.
La Pedagogía Critica artística insta a ejercer una aptitud critica y adquirir compromisos sociales, hay no solo que comprender nuestros mundos, si no, CONSTRUIRLOS JUSTOS.

TEXTOS SOBRE EDUCACION ARTISTICA Y CONTEXTOS POSMODERNOS.CARLOS ESCAÑO

Siento ser tan seguido con este tema pero da gusto leer estos textos después de la “Experiencia Thiebaut”.
El discurso del primer texto viene a intentar apuntar algunas ideas para la compresión general de la posmodernidad. Se apunta la posibilidad de que todo en la modernidad es negativo y la posmodernidad positiva, asunto que no es valido puesto que una cosa sin la otra no tendría sentido y los planteamientos modernos están basados en conceptos razonables, pero si es cierto que estos conceptos y planteamientos modernos obstaculizan el desarrollo positivo en el contexto educativo al crear cotas y limites claros, la posmodernidad aporta la ruptura con estas limitaciones. La posmodernidad se considera como un hecho, no como una teoría de la cultura o sociedad, si fuese así caería en su propia contradicción al apoyarse en metarrelatos.
La posmodernidad aporta soluciones, estas admiten la pluralidad, la duda, el equivoco, la revisión, etc. No pretenden ser soluciones totalizantes o universales como las modernas. Pero, según Lyotard, ¿Que ofrece la posmodernidad para legitimar el conocimiento? ¿Quien decide lo que es o lo que no es, lo que vale o no? Al romper con los metarrelatos, ¿quien decide que importancia tiene un pequeño relato? o ¿que pequeño o grande debe ser el pequeño relato para que se puedan tomar decisiones o dar soluciones que afecten a toda la humanidad? ¿No se caería en un relativismo exagerado que impediría la legitimación del saber?
La posmodernidad apuesta en la educación por una revisión continúa de ella misma, aplicando la autocrítica y buscando lo nuevo, no por nuevo en sí, si no, para plantear soluciones y revisiones.
Los retos a los que se enfrenta la educación artística posmoderna que se apuntan el texto son los que ya hemos desarrollado en las diferentes clases de fundamentos. Sirva de apunte esta enumeración.-
La educación artística posmoderna se basa y debe incluir las NNTT, partir de la pluralidad, incorporando la visión del alumno y su contexto, abandonar el conductivismo y apoyarse en la transversalidad para un proceso constructivista. Afrontar y tener en cuenta la diversidad y multiculturalidad. En la educación Artística el espacio y e tiempo deben ser multidimensionales y se tiene en cuenta la interdisciplinariedad.
Se revalorizan los continentes frente a los contenidos. En cuanto a la evaluación en el contexto de la educación artística posmoderna, se centrará en valorar la curiosidad, la reflexión, las nuevas ideas, la capacidad de dar forma visual a las ideas, la competencia en el uso de las NNTT y las actitudes ante las manifestaciones artísticas y su papel en la vida de las personas.
Un recurso que se apunta dando una posible respuesta para la organización del saber son los Estudios Culturales. Un caso puede ser La cultura visual.
El currículo debe ser abierto y en proceso de construcción continuo asumiendo todos los intereses de los individuos y grupos sociales. En el caso de su enfoque de la cultura visual, entre otras ideas, se podría trabajar.-
- Abandonando una postura univoca.
- Sustituyendo el término “materia” o “asignatura” por “perspectiva de estudio”.
- Basar el currículo en la incertidumbre.
- La imagen no se percibe, es un reflejo de la realidad básica enmascarada, un simulacro.
Ante esto, Aguirre apunta, que el desafió ante este planteamiento curricular es comprometerse abiertamente con las imágenes y la tecnología, a la vez que enfrentarse críticamente a ellas utilizando el análisis cultural, el juicio moral y la ideología que es mismas imágenes amenazan con imponer.
Surge en el texto el planteamiento de que si estos conceptos e ideas no se convierten o transforman en metarrelatos, puntualizándose que no es así, serian una pluralidad de relatos interconectados ente si de forma fluida, a lo se llama hipernarrativa.
Por hacer una reflexión sobre el texto, que como comento, ya se han analizado en clase estos conceptos e ideas, pienso que requiere un gran esfuerzo por todas las partes implicadas en la educación artística el llevar a cabo los retos que aquí se apuntan. En la actualidad no veo otra forma de mejor de plantear una educación artística, si bien, no tengo claro que en la realidad se asuman todos estos retos. La dificultad,pienso,es llevar a la practica una continua revisión de la educación artística y sobre todo basando en la autocrítica y la incertidumbre, el ser humano creo que por naturaleza huye de ambas cosas para evitarse un malestar, por llamarlo de alguna manera, con sí mismo. Es positivo que surjan estos planteamientos, por lo menos hacen pensar y plantearse cuestiones que de otra forma se evitarían.

CARLOS THIEBAUT Y SUS CONTRADANZAS DE LO MODERNO-POSMODERNO

Paso a valorar y hacer alguna reflexión sobre el texto de C. Thiebaut después de terminar de leerlo sano y salvo.
Ya comente que soy partidario de su opinión que el termino Posmodernidad intenta aglutinar un conglomerado de diversos conceptos, posiciones teóricas y criticas, surgidas a mediados de los sesenta, y que no siempre son congruentes. Hoy en día, algunos autores siguen usando el termino para sus propias definiciones y teorías, mientras otros afirman que los tiempos posmodernos han finalizado. Creo que no existe una sola Posmodernidad, o como se le quiera llamar, sino muchas, tantas como individuos. El problema es homogeneizar estas ideas y conceptos sin caer en contradicciones con la propia Posmodernidad y basarla en un metarrelato.
El termino Posmoderno intenta aglutinar todas las ideas que surgen en contraposición con la caduca modernidad, pero según Thiebaut, no se consigue y termina siendo un obstáculo para la critica o el análisis cultural y artístico porque intenta abarcar con una sola definición programas teóricos y artísticos de muy diversa índole que surgen en esta época.
Thiebaut analiza los momentos centrales en el debate Modernidad-Posmodernidad, que considera un movimiento de contradanza, en cuatro aspectos. El primero lo centrara en el aspecto sociológico, el segundo, en el análisis de la pluralización de los lenguajes y los significados, el tercero, lo centra en una critica filosófica que engarza con la pluralización de los lenguajes y el cuarto momento lo centra en el hecho histórico, según él, sumido en un colapso.
Las teorías posmodernas desmontan la diferenciación en las doctrinas de los métodos y fundamentos del conocimiento científico y diferenciación de los valores en cada sociedad, que era lo que constituía la racionalidad moderna. Las sociedades complejas modernas ya no se pueden analizar con las técnicas de forma general, la sociedades se subjetivizan y no admiten análisis férreos y generales. Thiebaut se remite a Lyotard para justificar este análisis, haciendo referencia a la desaparición del Metarrelato, propio de la modernidad, y el surgir de los pequeños relatos. Esto acarreo la tremenda dificultas de los análisis sociales, y que, advierte Thiebaut, puede conducir a olvidar o abandonar el análisis de otras realidades importantes como la desigualdad o la discriminación, al centrarse el análisis en multitud de individualidades y subjetividades.
Dentro de las reflexiones posmodenas la conciencia de la importancia del lenguaje vuelve al primer plano. Esto sucedió en el Romanticismo, que surgió entre otros motivos, en contraposición con la ilustración del modernismo y sus reglas encorsetadotas. El Romanticismo pluraliza el lenguaje y acentúa el individualismo de autor en el lenguaje. La posmodernidad hace lo mismo y materializa el lenguaje, ya no existe solo un lenguaje, si no, muchos y cada uno con sus significados.
El problema esta en que al tener en cuenta mas el continente que el contenido, osea, no se tiene en cuenta el como, el porque y el que se dice, si no, simplemente la interpretación o interpretaciones del contenido, hace se caiga en la ambigüedad y multiplicidad de significados para un solo mensaje.
En el tercer momento se centra en la crítica filosófica relacionada con la pluralización de lenguaje. El Romanticismo prima al sujeto, como se comento, es el creador y articulador del sentido, se realza la subjetividad. El posmodernismo la realza también, pero su pluralización de lenguajes y dotar de mas importancia al continente que el contenido irá en contra de la intencionalidad del sujeto, Thiebaut se remite a Derrida y su programa deconstruccionista, donde es rechazada en gran medida, la intencionalidad del sujeto como clave del sentido de los textos. Esto lleva a lo que Thiebaut llama desvanecimiento del sujeto, que nos comunica directamente con el cuarto momento que llama desvanecimiento de la historia o su colapso. El modernismo concebía la historia como un avance progresivo, el posmodernismo abolió la temporalidad histórica, nos remitimos a la detestación de los metarrelatos, y el presente en la historia se entiende como un horizonte absoluto de interpretación.
Thiebaut con el análisis que lleva a cabo en estos cuatro momentos del debate moderno-posmoderno creo que intenta, a la vez que contra posicionarlos, llegar a deslucir que la llamada posmodernidad no puede abandonar y desechar por completo planteamientos y conceptos modernistas puesto que muchos están interrelacionados entre si con sus propios conceptos, lo que él llama un movimiento de contradanzas.

Valoracion critica posmoderna.

Pretendía hacer una valoración crítica después e leer el texto de Carlos Thiebaut y los textos sobre educación artística y contextos posmodernos. Comencé a leer el texto de Thiebaut y he necesitado volver al principio tres veces, bien por falta de concentración, bien por que no elegí el lugar apropiado para leerlo, además de encontrarlo tremendamente farragoso y complicado para su comprensión. Estoy en ello y espero finalizarlo sano y salvo. De lo que he leído me identifico en parte con el análisis de Thiebaut y me sirve de pequeña valoración critica, en el sentido que con la POSMODERNIDAD se intenta definir bajo un mismo nombre un conglomerado de diversas ideas teóricas y criticas con muy distintos sentidos y referencias, la mayoría de las veces incongruentes. De hecho, se puede acotar temporalmente, por ser una ruptura con la MODERNIDAD, pero no se tiene claro que sigamos inmersos en la POSMODERNIDAD o que haya tenido un final. Hoy en día se sigue haciendo referencia a ella en aspectos sociales, culturales y artísticos determinados.
Pienso que dentro de unos años se podrá definir con mayor concreción como ocurre con todo.
Para mi no se debería de hablar de una POSMODERNIDAD, si no de millones. Cada individuo, cada idea individual, ha ido aportando algo a la llamada Posmodernidad desde finales de los sesenta hasta hoy. El desarrollo de las NNTT y la comunicación, la globalización, la pluralidad, la multiculturalidad, el cambio continuo de significados de las imágenes, la nueva concepciones de la historia y todo los continuos cambios que se han producido en la sociedad han ocasionado continuas construcciones y destrucciones de ideas y conceptos que se pueden enumerar y analizar, pero que, pienso hacen muy complicado definir con exactitud la llamada POSMODERNIDAD.

LA POSMODERNIDAD, CONCEPTO.

Pretendemos con este ejercicio realizar un resumen de los bloques que se han visto en clase referentes a la Posmodernidad, con el fin de que nos sirva para aclarar y organizar las múltiples ideas que sobre este tema han surgido en las clases. No pretendemos hacer una valoración crítica, ya que lo queremos es saber si en líneas generales nos hemos enterado de los conceptos que rigen esta etapa del arte.
Empezamos los bloques preguntándonos por ¿Qué es la Posmodernidad?, para ello se hacía necesario explicar y partir del concepto de MODERNIDAD y su situación socio-política, en contraposición con el Posmodernismo.
En cuanto a la situación socio-política en la que se mueve la Modernidad, saber que se produce en un ambiente de dominación del pensamiento europeo (Eurocentrismo). Los movimientos dominantes en esta época son el Racionalismo, Empirismo, Idealismo, Positivismo y sus doctrinas políticas están basadas en el Socialismo Científico y el Liberalismo. Sin embargo la Posmodernidad se mueve, primero descentrándose del eje europeo y con el triunfo en casi todo el mundo del régimen democrático (Neoliberal). Surge en el último tercio del S. XX, con la concepción de la “Aldea Global” y la irrupción de superdesarrollo tecnológico y los massmedias (medios de comunicación de masas).
Refiriéndonos a los conceptos se hace importante contraponer el esquema que vimos en clase sobre la Modernidad, para poder explicar los conceptos de la Posmodernidad. Dicho esquema era el siguiente:

Ciencia Objetiva -------------------Unidad ----------
Moralidad y leyes universales-------Novedad ----------Pensamiento Fuerte
Arte Autonomo ------------------Metarrelatos----------


En la época Posmoderna la ciencia deja de ser objetiva, es decir, “los absolutos científicamente refutados” se cuestionan (Teorías sobre la física quántica), al igual que la confianza en el poder de la razón de los modernos. La moralidad en el arte se relativiza y por consiguiente pierden fuerzas esas leyes universales que buscaban y se apoyaban los artistas modernos. El arte deja de ser autónomo y se instaura el todo vale. Esto lleva a la pérdida o fragmentación de la unidad conceptual del Modernismo. La Posmodernidad se preocupa más por el sujeto y su existencia, con lo cual, esa búsqueda por la novedad ya no es tan importante. El arte se hace cada vez más personal, intransferible y espontáneo. Dos vocablos que resumen muy bien todo lo analizado hasta ahora son el de METARRELATO, y su contrario PEQUEÑO RELATO. Ambos son acuñados por el filósofo francés Lyotard. El primero, METARRELATO, le sirve a Lyotard para explicar lo que ocurre en la modernidad, ya que esta mantiene unas pretensiones de universalidad y una cierta estructuración. Mientras que el segundo, PEQUEÑO RELATO, se contrapone y explica muy bien la Posmodernidad, ya que a través de este concepto se permiten expresar diferencias y complejidades.
Por lo tanto en la modernidad podemos decir que existe un PENSAMIENTO FUERTE, asociado a todas las características que hemos visto y explicado de la Modernidad. Es decir, la existencia y búsqueda de la universalidad, la unidad de pensamiento y leyes universales. En definitiva la clara vocación de los artistas de esta época a los METARRELATOS.
Y sin embargo, en la Posmodernidad existe un PENSAMIENTO DEBIL, ya que en esta etapa prima la preocupación por el sujeto, lo individual, el cuestionamiento de las leyes universales, el arte más espontáneo, ligado todo ello al concepto de Pequeño Relato.
Una vez aclarado en concepto de Posmodernidad, centrémonos ahora en las características del paradigma estético en la Posmodernidad.
Como primer rasgo importante destacamos la INTERDISCIPLINARIEDAD, ya que se pasa de la búsqueda de la novedad (modernidad), a la espontaneidad producida por las formas de vida del hombre posmoderno. La mediación de las NNTT y su acceso a ellas es al piedra angular del paradigma estético posmoderno. Las NNTT potencian la experimentación en la estética y la búsqueda del efecto como prioritario. Consiguen una nueva realidad, entendida como HIPERREALIDAD, aboliendo lo real por la asunción del modelo. Se persigue también una exaltación extrema de efectos y pasiones sobre todo en dos campos, la violencia y el sexo. Al artista Posmoderno le gusta ser a veces un ecléctico, un nostálgico, para ello utiliza argumentos (textos) del pasado, para convertirlos en argumentos (textos) actuales y de esta forma relacionarlos (veíamos en clase el ejemplo de Kill Vill o hablamos sobre algunos edificios de Bofill). Esto se conoce como la TRANSTEXTUALIDAD, mezcla de códigos de unas épocas a otras. El artista Posmoderno intenta abrir campos en lo referente a la MULTICULTURALIDAD y la MINORIAS SOCIOCULTURALES, temas relacionados con los pequeños relatos. En definitiva la estética está más DEMOCRATIZADA, ya las NNTT llegan a más personas, siendo la base de los sistemas creativos. Y además el espectador o sujeto se introduce dentro del sistema creativo (veíamos en clase los ejemplos de las películas ambientadas en los barrios marginales de Brasil).
Ante este panorama, resumiendo:
• Situación socio-política. Occidente VS Universal.
• Pluralidad (leyes universales) VS Individuo.
• Educación Artística VS NNTT y massmedias.
• Educación Artística VS Poder de la imagen Actual
La Educación Artística debe realizar propuestas para su realización y entre ellas destacamos dos modelos.
MODELO 1.- CULTURA VISUAL Y EDUCACIÓN ARTÍSTICA.
Este modelo quiere ver a la cultura como un conjunto de símbolos que vamos creando y destruyendo continuamente, para buscar el sentido del mundo en el que vivimos. Esta CULTURA VISUAL es interdisciplinar y se deben establecer vinculaciones con otros conocimientos. Ver la imagen no como se percibe, sino como, lo que deriva de su análisis formal o histórico. En definitiva, enfrentarse a las imágenes con un sentido crítico utilizando el contexto cultural, moral e ideológico en el que viven.
MODELO 2.- PEDAGOGÍA CRÍTICA ARTÍSTICA.
El arte construye realidades y a través de su enseñanza podemos conocer la sociedad y la cultura en que vive. Bajo este modelo se pretende cuestionar las narrativas actuales, para encontrar sus fisuras. Es decir, hacer una reconstrucción para que entendamos al final esa narrativa CONSTRUYENDOLA DE NUEVO.
Trabajo realizado conjuntamente con Paco Ariza.

UNA UNIDAD DIDACTICA.

TEMATICA: DIBUJO ASISTIDO POR ORDENADOR.

CONTEXTO.-
Colegio Maria Madre de la Iglesia. (Concertado)
Situado en la calle Bami de Sevilla, zona con un nivel socioeconómico de clase media.
Los alumnos son del curso 4º de Educación Secundaria Obligatoria.
Es un centro educativo pequeño, consta de una sola línea por curso con grupos de 25/30 máximo de alumnos por clase y curso.
Desde el primer curso de primaria los grupos de alumnos sufren muy pocos cambios, el seguimiento individual se hace mas fácil en el transcurso del desarrollo de primaria y secundaria y la convivencia de los alumnos va desde los primeros cursos hasta su salida del centro.
La participación de las familias del alumnado es activa y la relación con el profesorado en general es estrecha y directa.
Las aulas son amplias y luminosas, cada aula esta provista de proyector de imágenes, ordenador con conexión a Internet y DVD. El centro cuenta con un aula de informática con equipos disponibles, uno por cada dos alumnos.

FUNDAMENTACION.-
Conocer la importancia de las nuevas tecnologías aplicadas al dibujo y la importancia de estos medios para el futuro estudio del alumnado de carreras técnicas y artísticas.

OBJETIVOS.-
Generales.-
Poner en contacto directo al alumno con diversos programas informáticos referentes al dibujo asistido por ordenador.
Específicos.-
1- D.Apreciativa. Analizar la utilización del dibujo asistido por ordenador en las diferentes profesiones técnicas y artísticas, centrando el análisis en la Arquitectura y Diseño Grafico.
2- D.productiva. Dibujar y crear figuras simples usando programas informáticos específicos.
3- Ideas transversales. Analizar la aplicación del dibujo asistido por ordenador en la publicidad y el diseño grafico. Reflexionar sobre las técnicas publicitarias y el consumismo.
COMPETENCIAS.-
La educación plástica y visual contribuye, especialmente, a adquirir la competencia artística y cultural y el uso y manejo de programas informáticos mejora en los alumnos la competencia digital.
La toma de decisiones en las distintas actividades de forma autónoma, junto con el espíritu creativo en las prácticas a realizar fomenta la iniciativa y autonomía personal. El trabajo en equipo para la realización del proyecto fomenta la competencia social y ciudadana.
La reflexión sobre los procesos y experimentación creativa en el manejo de los programas informáticos contribuye a la competencia para aprender a aprender. La utilización de procedimientos, relacionados con el método científico, como la observación, la experimentación y descubrimiento y la reflexión y análisis posterior contribuye a que el alumno adquiera la competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico. También se introducen valores de conservación del patrimonio cultural mediante el conocimiento y análisis de obras de arte en la arquitectura y el dibujo en general.
El alumno adquiere, a su vez, competencia matemática mediante el conocimiento de aspectos espaciales de la realidad, mediante la geometría y representación objetivas de las formas durante el manejo de los programas informáticos para dibujar.

CONTENIDOS.-
Conceptuales.-
1- Introducción a los diferentes módulos de formación en los que se aplica el dibujo asistido por ordenador y a los tipos de carreras técnicas y artísticas que se pueden estudiar en la universidad.
2- Historia del dibujo en la arquitectura y el diseño grafico hasta el uso del ordenador para dibujar.
3- Introducción general a los diversos programas informáticos utilizados para el dibujo asistido por ordenador.
4- Introducción al AUTOCAD y manejo de sus herramientas básicas.
5- Introducción al PHOTOSHOP y manejo de sus herramientas básicas.
6- Historia y desarrollo del dibujo aplicado en la publicidad.



METODOLOGIA.-

Como característica general la metodología será activa y participativa a la vez que integradora. Estará vinculada al medio en que nos movemos además de se interdisciplinar e investigadora.
Buscamos que la metodología sea abierta y flexible para propiciar el aprendizaje significativo como método de enseñanza. Se tendrán en cuenta las ideas y los conocimientos previos del alumnado y su nivel evolutivo. Se intentará poner de forma práctica los contenidos específicos de la unidad.

En los contenidos conceptuales de los temas 1,2 y 6 usaremos métodos expositivos y discusivos, pretendiendo que después de las exposiciones magistrales sobre los contenidos se realicen practicas de debate entre el alumnado para que la asimilación de los conocimientos por parte del alumno sea lo mas significativo posible.
En los contenidos 3 y 4 usaremos métodos expositivos e investigativos con el fin que el alumno investigue a través de la practica los conocimientos técnicos que ha asimilado.

ACTIVIDADES.-

Primera sesión.- DOS HORAS.
1ª Hora.- Exposición de un Arquitecto y un Diseñador Grafico en la clase.-
Mediante la proyección de imágenes, el arquitecto expondrá mediante ejemplos el uso que para su trabajo hace de los programas de dibujo asistido por ordenador. Durante su exposición introducirá al alumnado en el mundo de la arquitectura y los métodos de realizar los proyectos arquitectónicos, centrándose en el uso del dibujo con el programa Autocad.
El diseñador grafico realizara igualmente su exposición, introducirá al alumno en el mundo de la imagen en la publicidad y mostrara el uso de del programa Fhotoshop para la realización de trabajos publicitarios.
2ª Hora.-Coloquio entre el alumnado, el arquitecto y el diseñador, mediado por el profesor, donde el alumno expondrá sus dudas y reflexiones sobre las exposiciones.
Con esta actividad de iniciación intentamos motivar al alumnado, a la vez que se evalúan los conocimientos previos de cada uno. Buscamos la transversalidad en el sentido de la orientación profesional del alumno y su elección futura de la especialidad en el bachillerato.
Esta actividad la llevaremos a cabo en el aula, donde disponemos de ordenador, proyector y pantalla.

Segunda sesión.- UNA HORA.
1ª Hora.- Clase teórica sobre la historia del dibujo, desde la prehistoria hasta nuestros días. A través de proyecciones de imágenes hacer un recorrido general por la historia del dibujo, su uso y aplicaciones en cada época.
Durante los últimos veinte minutos se formaran grupos de cuatro alumnos a los cuales se les dará una lamina fotográfica de un grabado, dibujo o monumento y trataran de analizar y reflexionar sobre su estilo y época.
Esta actividad la llevaremos a cabo en el aula, donde disponemos de ordenador, proyector y pantalla.

Tercera sesión.- DOS HORAS.
1ª Hora.- Clase teórica de introducción al programa AUTOCAD y el uso de las herramientas básicas del programa. Se apuntaran conceptos generales de otros tipos de programas, como por ejemplo el FREEHAND .El alumno experimentará en el ordenador e intentara dibujar figuras simples aplicando los conocimientos adquiridos.
2ª Hora.- Clase teórica de introducción al programa PHOTOSHOP y el uso de las herramientas básicas del programa. Se apuntaran conceptos generales de otros tipos de programas, como por ejemplo el CORELDRAW. El alumno experimentará en el ordenador con imágenes previamente proporcionadas por el profesor, aplicar los conocimientos adquiridos.
Usaremos el aula de informática donde disponemos de un equipo por cada dos alumnos
Cuarta sesión.- UNA HORA
Durante esta hora y mediante proyecciones de imágenes sobre publicidad se analizaran campañas publicitarias actuales, con el fin de que con posterioridad y usando la actividad brainstorming, crear un debate abierto y mediado por el profesor sobre la publicidad y el consumismo en la sociedad actual.
La última parte de esta sesión se dedicara a la organización del trabajo para el proyecto final. Se formaran grupos de cuatro miembros y se les dará a elegir dos opciones sobre el tema del proyecto. Una enfocada al uso del programa AUTOCAD, los grupos que elijan esta opción trepan preparado para la próxima sesión un croquis acotado de su habitación y los grupos que elijan la segunda opción, enfocada al uso del programa PHOTOSHOP, traerán elegido un articulo determinado, que previamente entre varias opciones ha proporcionado el profesor, para realizar un proyecto de campaña publicitaria sobre ese articulo.
Esta actividad la llevamos a cabo en clase, usando el ordenador, proyector y pantalla.

Ultima sesión.- UNA HORA.
Realización del proyecto en el aula de informática, ya organizados los grupos y decididos los temas para las diferentes opciones.

EVALUACION.

Seguiremos varios criterios de evaluación.-
A través de una observación detenida del alumnado durante todas las sesiones tomaremos notas de la participación e implicación de los alumnos en la clase y el grado de interés que muestran.
Comprobaremos el grado de desarrollo del sentido crítico ante las manifestaciones de la cultura visual contemporánea a través de los debates y coloquios que desarrollaremos en las sesiones.
Mediante la realización de las prácticas en las sesiones y el resultado final del proyecto en la última sesión, verificaremos el grado de asimilación de los códigos del lenguaje artístico y la adecuación de la expresión personal, además de confirmar la adecuación del uso de las técnicas artísticas.
Trabajo realizado conjuntamnete con Paco Ariza.

RESUMEN DEL TEXTO DE CLIFFORD GEERTZ.

Clifford Geertz en este capitulo de su libro “Conocimiento Local. Ensayos sobre la interpretación de las culturas”, reflexiona sobre el arte como sistema cultural. Geertz como antropólogo, intenta interpretar los símbolos claves de cada cultura que él define como un sistema de concepciones expresadas en formas simbólicas por medio de las cuales la gente se comunica, perpetua y desarrolla su conocimiento sobre las actitudes hacia la vida.
Es muy difícil hablar o comentar sobre arte, pero todo el mundo que percibe o contenpla una manifestación artística lo hace. Dependiendo de la formación de la persona, su bagaje cultural, su condición social y su contexto, opina de una u otra forma. A veces se lanzan ideas u opiniones que llegan a algo y otras se pierden en un conglomerado de conceptos y teorías de lo que se percibe o siente que terminan mas por “desopinar” y liar que por aclarar lo que se intenta expresar.
Ante esta necesidad de hablar sobre el arte tendemos a describir, analizar, comparar, juzgar y clasificar. Construyendo teorías acerca de la creatividad, la forma, la percepción y la función social, considerando que el arte es un lenguaje, un símbolo, un acto y un modelo de sensaciones.
Geertz apunta que el arte se describe en todas partes por medio de lo podrían llamarse términos profesionales, en términos de progresiones tonales, relaciones cromáticas o formas prosaicas. Pero esto no se limita solo a occidente o la era moderna, como puede parecer, si no, a todas las culturas, lugares y épocas.
Así mismo no es posible separar sociedad y arte a la hora de hablar de él. Las reflexiones sobre e arte sus términos y conceptos derivan de los contenidos culturales y de las experiencias humanas. Por tanto en cada cultura y situación estas reflexiones, con sus términos y conceptos, serán diferentes y distintos. Matisse afirmaba que era incapaz de hacer distinciones entre el sentimiento que tenia de la vida y su manera de expresarlo. Esta es una afirmación particular, pero en general las reflexiones sobre el arte se basan en las experiencias colectivas de una sociedad e inmersas dentro de un contexto a cada cual distinto.
El arte no significa la mismo en la China clásica que en el Islam clásico, dependerá de creencias, sistemas de clasificación, símbolos determinados y mentalidad. La visión de arte desde la perspectiva occidental no surge hasta el siglo XVIII, el autor de una obra de arte en la Roma clásica no era consciente de que estaba realizando arte como hoy lo concebimos, ni el miembro de una tribu de África al tejer una rafia, por ejemplo, tampoco es consciente de que su manifestaron es arte, aunque nosotros lo analicemos como tal.
Geertz se apoya en el autor Robert F. Thomson y su análisis sobre la línea en la escultura de la tribu yoruba. En su análisis hace ver que para el yoruba la línea según su trazado, longitud, profundidad, limpieza, etc. posee un significado, no solo en la escultura, si no , en adornos personales, cerámica o cicatrices y maquillaje en sus caras, y según como eran estas líneas tenían una razón de ser expresando algo.
Para confirmar este carácter semiótico de las experiencias humanas, Geertz cita a Anthony Forge y su estudio sobre la pintura mate en cuatro colores de la tribu abelan de Nueva guinea. Los abelan usaban el ovalo como representación del vientre de la mujer y los colores para describir situaciones anímicas. Vinculados con aspectos de su ritual, intentan mostrar el poder o el liderazgo del hombre sobre la mujer a base de formas y colores, casualmente no dan la importancia que dan los yorubas a las líneas. Se puede decir que el uso de la forma y el contenido en la obra de arte es allí donde se produce, un acto cultural y no una teoría filosófica.
Geertz para concretar más en el asunto analiza la pintura del Quattrocento italiano y la poesía islámica. Para hablar de la pintura italiana cita a Baxandall, autor que trata de definir la preparación a la que podían echar mano ante estímulos visuales complejos el público de esta pintura, o sea, los otros pintores y las clases protectoras que encargaban y compraban las pinturas.
Baxandall analiza en primer lugar el Quattrocento y sus experiencias de vida para poder concebir las cosas a modo quattrocentista. Así, plantea en primer lugar que las pinturas italianas del siglo quince eran religiosas y no solo por los temas, sino también por las intenciones para cuyo fin fueron diseñadas. No se buscaba una mera transcripción de unos hechos para ser observados, sino, una reflexión sobre el hecho en si, intentando conseguir un adoctrinamiento al que la observa. Para esto se usaran técnicas que se deben también analizar en la época. Por ejemplo en el caso de la composición de las figuras, era claro, en las pinturas de Botticeli, “Nacimiento de Venus” y “Primavera”, la influencia de la danza de la época, los personajes se disponían en el cuadro de modo de estar danzando, incluso en sus movimientos y gestos, estas danzas se realizaba muy frecuentemente entre los miembros de la sociedad mas acaudalados, y que así, percibirían con mayor claridad el mensaje al observar la obra. La forma o técnicas de medición de la época influían de igual modo en las pinturas. La sociedad mas acaudalada convivía con el comercio y el mercantilismo. las unidades y modos de medida estaban muy ligadas a los recipientes que contenían las mercancías, así, el pintor y tratadista Piero della Francesca incluso pública en unos de sus tratados las formas y maneras de medir longitudinal y volumetricamente . En las composiciones de los cuadros, el autor, al tener asimilado estos métodos de medidas y esta percepción de distancias y volúmenes lo usa y refleja en sus obras para clarificar su mensaje.
La poesía islámica llego a rivalizar con arquitectura y se convirtió en arte cardinal de esta civilización. Pero al mismo tiempo rozaba los márgenes de la forma mas grave de blasfemia. Esto se comprende por la importancia y el sentido del lenguaje escrito y hablado en el Islam. El coran, eje del Islam, es un libro para recitar y escrito en verso. El poeta rivaliza con el coran y debe de tratar los temas de manera cautelosa para no confundir o llevar a la duda a su receptor. La poesía islámica se escribía pues para ser recitada en público, normalmente en los actos sociales que reunían a más número de gente, como bodas y celebraciones familiares, y sus temas pasaban de lo material a lo espiritual y en gran número de veces se usaban para criticar situaciones o personas en concreto. Era pues un lenguaje directo y los temas estaban influenciados por los temas cotidianos de la sociedad, la mujer y su papel en la sociedad, criticando a los hombres que traten con ellas cuando está prohibido, la avaricia de los comerciantes, las rencillas entre vecinos o entre los propios poetas, etc… La poesía, no exenta de belleza, debe de ser enmarcada en el contexto del cual surge y se desarrolla.
Puntualizando, Geertz escribe que el artista trabaja con las capacidades de su audiencia, o sea, en su comprensión. Ciertas de estas capacidades son innatas pero otras están inmersas en las experiencias de la vida, cosas que debemos de considerar y reflexionar, ante las que tenemos que reaccionar.
Personalmente creo que la visión de Geertz del arte como sistema de conocimiento es así. Yo he entendido que no podemos separar arte de sociedad y que depende mucho el concepto de la realidad social y cultural donde se vive. Occidente ha sido quien ha puesto los argumentos desde el principio sobre arte y desde su punto de vista se han analizado los demás que no pertenecían a occidente. Se debe tener en cuenta ante una manifestación artística el donde, el como y el porque y analizarla despojándose de ideas preconcebidas y asimilando las nuevas.

LA UNIDAD DIDACTICA

«La unidad didáctica es la interrelación de todos los elementos que intervienen en el proceso de enseñanza-aprendizaje con una coherencia interna metodológica y por un periodo de tiempo determinado» (Ibáñez, 1992).

Se puede decir que se entiende por Unidad didáctica toda unidad de trabajo de duración variable, que organiza un conjunto de actividades de enseñanza y aprendizaje y que responde, en su máximo nivel de concreción, a todos los elementos del currículo: qué, cómo y cuándo enseñar y evaluar. Por ello la Unidad didáctica supone una unidad de trabajo articulado y completa en la que se deben precisar los objetivos y contenidos, las actividades de enseñanza y aprendizaje y evaluación, los recursos materiales y la organización del espacio y el tiempo, así como todas aquellas decisiones encaminadas a ofrecer una más adecuada atención a la diversidad del alumnado.

Realizamos un ejercicio práctico de estructurar una Unidad Didáctica siguiendo las siguientes directrices.-
TEMATICA.- Qué es y cómo hacer una unidad didáctica.
TEMPORALIZACION.- 90 minutos
DESTINATARIOS.- Alumn@s MAES.

INTRODUCCION
1. Contexto: 56 alumn@s del Master en profesorado de secundaria y bachillerato de la especialidad de Dibujo, pertenecientes a diferentes licenciaturas y diplomaturas (Bellas Artes, arquitectura y arquitectura técnica).
2. Fundamentación: La producción de una Unidad Didáctica es una práctica fundamental en el ejercicio de la docencia, por ello es necesario su conocimiento y aprendizaje de su realización.

OBJETIVOS
1. Generales y Especificos
Conocer la estructura de una Unidad Didactica, comprender todos sus apartados y saber realizar una Unidad Didactica.
Fomentar la cooperación e igualdad entre los individuos a los que se dirige la Unidad Didactica.

CONTENIDOS
1. Conceptuales:
Concepto de U.Didáctica y su estructuración
Definición de los componentes de la U. Didáctica.
2. Procedimentales:
Realización de una Unidad Didáctica.
3. Actitudinales:
Cooperación entre los alumn@s

METODOLOGIAS
El profesor :
-Planteamiento y presentación de los conceptos básicos sobre la Unidad Didáctica.
-Abrir una linea discusión y debate sobre los conceptos.
-Exposición del tema de la U. Didáctica en sus aspectos concretos.
-Descripción de la actividad practica a realizar por lo alumn@s.
-Coordinar la actividad.
-Después de la exposición por parte de los alumnos de la actividad practica, abrir un debate sobre los aspectos mas relevantes que apunten los alumn@s.
Los alumn@s:
-Realización individual de un borrador de Unidad Didáctica.
-Puesta en común por pequeños grupos con objeto de crear una cooperación entre alumn@s y desarrollen su U. Didáctica complementando ideas de los demás.
-Participación activa en el debate abierto por el profesor.

Temporalización:
10 Minutos .Planteamiento y presentación del tema
15 Minutos. Primer debate sobre la presentación.
15/20 Minutos. Exposición del tema y explicación de la actividad Practica.
20/25 Minutos. Actividad practica individual y grupal.
20 Minutos. Exposición de la actividad, debate y conclusiones.

Materiales: Ordenador y Proyector
Recursos: Internet, Bibliografía sobre el tema.

EVALUACION
El profesor hará un seguimiento a los alumn@s sobre su participación y pedirá el trabajo escrito del desarrollo de la actividad práctica.
Trabajo realizado conjuntamente con Paco Ariza.

RESUMEN DEL TEXTO; HISTORIA DE LA EDUCACION ARTISTICA. Ricardo Marín y otros,2003. Didáctica de la Educación Artística.

Los cambios sociales, en la educación y en el mundo del arte en particular durante la historia, han transformado notablemente las ideas, métodos y ejercicios de la educación artística. De forma resumida analizamos estos cambios.-

En la antigüedad:
Las primeras reflexiones sobre la educación artística, como sucede en otras tantas disciplinas, vienen dadas por los grandes filósofos griegos Aristóteles y Platón que consideran útil la enseñanza del dibujo para la vida.

Edad Media:
El aprendizaje se realizaba en talleres. La orientación de los aprendices era básicamente profesional dentro del campo de la artesanía, pintura, dibujo, escultura, etc. Había una búsqueda de la perfección y ausencia de originalidad en la mayoría de los trabajos.

Renacimiento y Romanticismo:
Se crean academias de Dibujo, La mas representativa fue la del tratadista Vasari. La orientación de la enseñanza del dibujo era también fundamentalmente profesional. Se copia el cuerpo humano, se copian las obras de otros artistas, se aprende geometría a través de copias e laminas y se imparten ciertos conocimientos teóricos. La enseñanza es básicamente clasica y academicista, buscando la proporción y la belleza.

Primera Mitad del siglo XIX:
Durante este periodo la materia de dibujo es incluida en el currículo, tanto en primaria como secundaria, como obligatoria. Esto acarrea una nueva dificultad y problemática, hay que adaptar la enseñanza del dibujo a todos los individuas de la sociedad, cuando antes, la enseñanza del dibujo estaba solo destinada a los artistas y artesanos.
El contexto histórico de la época influye de manera importante en la enseñanza del dibujo, quizás el acontecimiento mas influyente será la revolución industrial. El dibujo se enfoca hacia la fabricación industrial y aparece la división entre dibujo técnico que tratara de representar la realidad mas exacta y precisa para su uso en la producción industrial y el dibujo artístico, que tratara de buscar la belleza como fin, ambos siempre dentro de unos cánones meramente figurativos.
J.H.Patalozzi(1746-1872) es el autor que en esta época publica el considerado primer manual de educación artística enfocado a la infancia.
El Suizo Friedrich Froebel (1782-1852) contribuyó a la educación artística con su original material didáctico "regalos y ocupaciones", desarrollados para jardines de infancia.

Segunda mitad siglo XIX:
En este periodo se producirá un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo. Todos basados en la copia de láminas, comenzando por figuras geométricas simples y avanzando gradualmente en dificultad hasta llegar a las figuras reales, motivos ornamentales y aplicaciones industriales.

Primera Mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil:
Nueva comprensión de esta situación, pasó de ser dibujos con errores a manifestación artística genuina y propia de ver el mundo. Se cambian en las teoría educativas gracias a la investigación psicológica y los movimiento de vanguardia como el impresionismo, cubismo y la abstracción, se creía que las ideas antiguas estaban agotadas, vuelta a los orígenes, se considera el arte infantil como protoarte puro y primigenio. Cizec lo consideró como estilo artístico verdadero y a tener en cuenta, pero su propuesta fue rechazada para más adelante obtener permiso. Se investiga el arte infantil en la investigación psico-educativa y la necesidad de estimular esta actitud.

Segunda mitad del siglo XX.-Desde la autoexpresion creativa a la educación artística como disciplina.
Herbert Read y Victor Lowenfeld en los años centrales del siglo XX publicaron las obras que han marcado el carácter de la educación artística. Con ellos se desarrollo y centró la tendencia denominada "autoexpresión creativa".
Esta disciplina considera que lo decisivo en la educación artística no son los contenidos sino la persona a la cual se esta formando. Se trataba que a través del arte se aprendiera a ser persona y no simplemente que la persona aprendiera a hacer arte. La actividad principal en la educación artística seria el dibujo libre y espontáneo. Se evitaban modelos y laminas iguales a seguir por todos, buscando que cada individuo desarrollase su personalidad y capacidad propia.
En la década de los cincuenta dos acontecimientos institucionales tuvieron gran trascendencia en la educación artística.
La fundación de la Sociedad Internacional de educación a través del Arte (INSEA), que es la asociación internacional mas importante de Educación Artística.
En 1955 la UNESCO y La Oficina Internacional de Educación aprobó las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en escuelas primarias y secundarias.
En estas recomendaciones se refleja la obligatoriedad de las enseñanzas artísticas en el currículo de la escuela primaria y la libre expresión como método mas adecuado de enseñanza. Se reflexiona también sobre los nuevos medios audiovisuales de comunicación de masas, determinando así en gran medida el rumbo de las nuevas ideas en la educación artística a finales de los años sesenta.

El lenguaje visual como modo de conocimiento.-
La diferentes disciplinas, entre ellas la estética y la historia del arte, contribuyeron a afirmar que las artes visuales constituyen un lenguaje. Rudolf Arnheim afirmo que "ver es pensar" y por tanto que las obras visuales son un modo de conocimiento. Arnheim constata que la percepción visual no es un proceso exclusivamente sensorial, sino, cognitivo activo y complejo.
La consideración de las artes visuales como un lenguaje vino también propiciada por el desarrollo de lo medios de comunicación visual, especialmente la televisión y el desarrollo de la ciencia de los signos que cubría no solo los fenómenos lingüísticos, sino también los visuales.
El lenguaje visual se hizo comparable y casi paralelo al lenguaje verbal.

Eliott Eisner: La revisión disciplinar de la autoexpresión creativa. Actividad artística como proceso creativo espontáneo y natural, elaborada construcción de conocimientos distintivos de cada cultura, destaca Eliott Eisner en la década de los 70 para promover proyectos educativos artísticos en los diferentes aspectos curriculares, dando origen a la DBAE. Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE) Se trata de un proyecto educativo para la educación artística en principio para la escuela primaria, posee una sólida fundamentación interdisciplinar, ideas actuales sobre educación, psicología del desarrollo, movimientos artísticos de vanguardia, colaboración con especialistas en educación artística y calidad de publicaciones y materiales didácticos. Su objetivo es desarrollar habilidades y conocimientos para aprender y apreciar el arte, conocimiento de teorías, conceptos artísticos y expresión creadora. La asignatura de educación artística dispone de un elaborado sistema curricular Estética, crítica, historia del arte y modalidades artísticas son las cuatro disciplinas principales. Las obras de arte ocupan un lugar central en la organización del currículo y en los conceptos específicos de las cuatro disciplinas, se debe estudiar todo tipo de artes de todas las épocas. El nivel de conocimiento sube de complejidad de modo progresivo impartido de forma regular y sistemático con un horario semanal independiente coordinado en el conjunto del distrito escolar. A parte de criterios y procedimientos de evaluación, se debe mostrar los resultados del aprendizaje. La creatividad no es una capacidad innata, hay que dejar que se desarrolle y se manifieste alejada de las normas sociales, es una capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un conocimiento de las convecciones artísticas. La clave reside en el conocimiento en profundidad de las obras de arte, los logros sirven de apoyo y estímulo. Todo esto provoca 2 asuntos en su contra: Énfasis en la obra de arte como contenido nuclear del artículo, desatendiendo a otros tipos de imágenes más cotidianas. Rígida dependencia de los ámbitos profesionales establecidos por el mundo académico, desestimando las aportaciones de las nuevas disciplinar emergentes, las instituciones no son suficientemente ágiles para incorporar los temas emergentes novedosos y controvertidos: ecología, feminismo, multiculturalismo.

ARTE,ARTISTA,MANIFESTACION ESTETICA

Ante las manifestaciones estéticas la persona percibe belleza, dependiendo de la subjetividad de cada individuo,su estado de ánimo, capacidades y otros factores, unido al grado de conocimiento del significado y simbolismo que encierra la manifestación estética, el sujeto la encontrara mas o menos bella.
Creo que no se pueden aplicar reglas fijas y objetivas para determinar las medidas de lo bello y estético, pero si pienso que hay algo común en las manifestaciones estéticas que la generalidad de las personas perciben como bello.
La propia naturaleza esta llena de manifestaciones estéticas, posiblemente bellas y en muchos casos, bellisimas, que despiertan en el sujeto que las percibe sentimientos múltiples de todo tipo, pero no se pueden interpretar como Arte, puesto que una manifestación artística es "producto" del ser humano.
El artista es receptor de imagenes, percibe la realidad y tiene ideas a través de su imaginación y echando mano de su creatividad, usando las técnica precisas, interpreta, transforma, conceptualiza y desarrolla su idea con el fin de expresar emociones o simplemente comunicar, creando así una obra de arte.
Yo soy de los que piensa que deben haber limites éticos en la creación artística, para mi, no todo vale, la obra de arte debe sorprender y despertar sentimientos en quien la percibe pero creo que no se pueden superar los limites éticos naturales del ser humano.Yo considero esencial que el propio autor debe ponerse esos limites y no esperar que se le sean impuestos.
Respecto al conocimiento y manejo de la técnica para la realización de una obra de arte, creo indispensable que el artista debe conocer y manejarlas en la medida que su obra se lo exija, no pienso que deba manejar y conocer con precisión y de manera académica la técnica, pero sí tener una base mínima de conocimientos y habilidades que pueden ser adquiridos con el estudio y la práctica. La habilidad o la facilidad para el manejo de la técnica puede que en algún caso sea natural en una persona pero necesita el conocimiento de la técnica y la practica para un buen desarrollo, junto a la creatividad que le hará dar soluciones originales al desarrollo de sus ideas.
El artista se forma como tal y se desarrolla en un contexto social y cultural que influirá en sus creaciones, dependiendo de este contexto, su obra será mas o menos entendida, apreciada y valorada,pero opino que una obra de arte posee una esencia que le hace tener un carácter universal, en menor o mayor medida,en todas las culturas y sociedades.
Para concluir,el arte es una manifestación humana, y como producto del hombre es imperfecta y sometida a la valoración individual y subjetiva,esta debe ser analizada dentro de un contexto temporal,social y cultural.